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my backyard is bigger than the world
Diese Serie entstand nach einem längeren künstlerischen Aufenthalt im Amazonasgebiet – einem Ort, an dem Natur, Mythos und Realität in einem dichten Geflecht aus Sinneseindrücken, Spiritualität und Konflikten koexistieren. Die Erfahrung dieser Landschaft, in der das Leben in seiner üppigsten und zugleich verletzlichsten Form existiert, wurde zum Ausgangspunkt einer künstlerischen Reflexion über Zugehörigkeit, Identität und die fragile Balance zwischen Mensch und Umwelt.
Die Vielfalt des Amazonas ist überwältigend. Nur die Zeit erlaubt uns, inmitten dieses Überflusses zu verweilen, zu wählen und uns mit der Welt um uns herum zu verbinden. Doch wie können diese Umgebungen, die von der modernen Zivilisation systematisch bedroht werden, ihr Ungleichgewicht und ihre Existenzialität messen?
Ausgehend von diesen Fragen – und inspiriert von Michel Foucaults Konzept der Biomacht, einem System, das das Leben anhand von Produktivität und Verwertbarkeit misst – entwickelte José Gomes die Serie „my backyard is bigger than the world“, ein Titel, der einem Vers des brasilianischen Dichters Manoel de Barros entlehnt ist.
In einer gemischten Technik, die Fotografie, Graphit, Ölstift, Holz, Figuration und Abstraktion verbindet, entsteht ein Spannungsfeld zwischen Körper und Landschaft. Das Bild des Körpers erscheint als Paradox: mal als integraler Bestandteil der Natur, mal als Eindringling. Der Wald bleibt unberührt, unbezwingbar – die Figur hingegen verändert sich, integriert sich, verschwindet.
Viele Werke sind Diptychen, die den Körper teilen und vervielfachen, wodurch sich Komposition und Bedeutung ständig verschieben. Diese Fragmentierung verweist auf das Verhältnis zwischen Identität und Raum, auf das, was wir besitzen, und auf das, was uns zugleich definiert.
Auch die Titel der Werke spiegeln diese Ambivalenz wider: sie verweisen auf mythologische Wesen und Schutzgeister indigener Kulturen – etwa Curupira oder Caipora – ebenso wie auf menschliche Figuren, die zerstörerische Eingriffe repräsentieren, wie in Night & Day, wo Aktivität und Ausbeutung keinen Rhythmus mehr kennen.
Innerhalb der Ausstellung „Rhythm & Soul – Brazilian Contemporary Art“ bildet diese Serie einen zentralen Resonanzraum. Sie verbindet den Rhythmus der Natur mit dem Rhythmus der Existenz, das Seelische mit dem Politischen. Die Werke fordern den Betrachter auf, seine eigene Perspektive zu überdenken:
Aus welcher Position betrachten wir die Welt – als Teil von ihr oder als Fremdkörper?
So wird der Amazonas zur Metapher für das Verhältnis zwischen Mensch und Erde, zwischen Körper und Landschaft, zwischen dem Sichtbaren und dem Spirituellen. „my backyard is bigger than the world“ ist eine poetische und zugleich kritische Meditation über Raum, Identität und Zugehörigkeit – ein Nachhall von Rhythmus und Seele.
Tereza de Arruda – Art Historian and Curator
Creation and destruction, life and death - this is the field of tension in José Gomes' drawings. With a clear reference to Brazilian nature and culture, some of his works on paper look like collages that develop a strong pictorial depth. Gomes' research for his drawings also includes the study of drone images of Brazil's primeval forests, which show exactly how these important habitats are being destroyed. These findings, as well as the examination of Brazilian art history and handicrafts, flow into Gomes' delicate drawings, in which the figurative is often broken up by abstract elements and thus tells its very own story."
Dr. Carla Cugini, Geschäftsführende Vorständin der Peter und Irene Ludwig Stiftung
Firmitas
José Gomes' artistic work is characterized by two elements - nature as the main motif and its inexhaustible style. The environment reveals itself as a sensitive, delicate, fragile, seductive, necessary, imperishable part of life. The works created by José Gomes for this exhibition were created as part of his work as a scholarship holder of a residency program at the Botanical Garden and the Institute of Biology at the University of Rostock. The research and discussions, the immersion and observation of plants that the artist experienced there flowed into the series Firmitas - a Latin word that means durability, firmness, permanence, stability, strength, resistance and reliability. These characteristics can also be found in the plants analyzed there. On the basis of these properties, man and science will drive forward not only human but also technological development in the course of climate change. The result is a series of collages made up of photographs of these plants. These were transferred onto paper using a transfer technique and supplemented with drawings and watercolors. The natural aquifers that exist in Brazil and maintain the ecosystem can be seen in the background. The works are a compendium of the diversity of these natural resources that should show us the way to the future.
Tereza de Arruda – Art Historian and Curator
Environment, development, violence, the fate of humanity and the planet are some of the themes that guide my thoughts and therefore my artistic work. How the current capitalist social system allows us to see and observe life, our values and how we relate and act with the environment to see the future.
The content of my work focuses on the landscape, man's actions in nature and the paradox between his dependence on nature and his destructive actions. Based on these premises, nature can only exist as a shadowy element, the result of this reality.
After an intense period dedicated to printmaking, my drawing is strongly influenced by it, whether in the robustness or lightness of the line or in the tonal areas on the surface of the paper. My questions began to deal with their limits and contexts.
The result of this experience is the confrontation and dialog of drawing with other techniques.
The series Brincadeira (Gambling) deals with the tension between drawing, print and object. The aerial photographs of satellites and drones of forests, with their scientific and investigative character, photos collected on the Internet of vegetables, fruits, foods, products of the earth, are transferred to paper and coated with layers of graphite in geometric shapes; graphic elements from both the culture or body painting of the indigenous people and the political-economic speculation of the agro-industry.
The reproducibility of the image, free and infinite on the Internet, generally refers to the concept of printing, as well as the lines and tonal areas of graphite to the mezzotint, watercolor, lithography and etching, as well as painting with the transparency of graphite on the transfer. The drawings are cut out and mounted on a stained wooden surface to give them a three-dimensional character. In diptychs and polyptychs, the work can be regrouped in various ways, changing the composition but retaining its plasticity.
Playing with the concept. Playing with the facts.
José Gomes